Por Miguel Peraza y Enrique Canchola 

El arte en la escultura del maestro Federico Silva (16 de septiembre de 1923), se encuentra en las raíces primigenias del espíritu humano en donde lo material se concreta para hacer existir algo que antes no había en la naturaleza, lo deposita al flujo de la sensibilidad humana, valiéndose de lo onírico para conducirnos a la conciencia que está ligada a los recuerdos mentales de la cosmogonía ancestral. Utiliza indistintamente la geometría orgánica, la lineal y la fractal desde la experiencia subjetiva. La vibración de las cuerdas cósmicas en el espacio que sus esculturas generan, invaden los sueños, donde la real posibilidad habita.

Federico Silva camina por los senderos del tiempo, el tiempo que es padre de todas las verdades para concebir la vida con cada escultura que hilvana con las diferentes corrientes de la comprensión estética, indagando lo posible para provocar la transición de lo abstracto a la habitación del objeto en la vida cotidiana.

Silva busca los senderos ancestrales de la concepción de la vida para proyectar las diferentes corrientes antropológicas que dan la riqueza y el poder a la humanidad, indaga lo posible, provoca la transición de lo material a lo divino utilizando el verbo escultural para la liberación del aliento humano y conectarlo a la sensibilidad donde reside la inteligencia universal de la humanidad.

La finalidad de la escultórica de Federico Silva es dejar que la mente humana encuentre las respuestas en el juego de las formas y construya el andamio quálico donde el inconsciente personal y colectivo transmute a la conciencia cuántica, donde se entrelazan y superponen los conceptos culturales del presente con el pasado, pareciendo que su encomienda no busca otra cosa que liberar al espíritu humano de la entropía política social y psicológica para darle al hombre una dimensión de acción y construirle una nueva concepción psíquica con renovadas percepciones, que permitan a la razón cognitiva llegar a la reducción orquestada del pensamiento y lleven al hombre a una nueva convivencia política y social, dicho sea de paso, su originalidad es excepcional, en ella se contemplan principios fisicomatemáticos que van interactuando y jugando con el electromagnetismo de la luz y la oscuridad, de los llenos y vacíos, movimiento imaginario que produce sonido en sus diferentes componentes de la escultura, de manera tal que es casi imposible que el observador no interactúe con el objeto escultórico.

Reconocemos en el maestro Federico Silva, al escultor universal, sensible e intelectual, al ser social, que con su fuerza escultórica genera inevitablemente análisis, sensaciones y percepciones capaces de influir en los movimientos estéticos del planeta.
Su trayectoria está compuesta de enormes retos y soluciones que se ven plasmados en cada una de sus esculturas y donde se refleja su personalidad cálida y su amabilidad, con una mente brillante de compromisos sociales fuertes que los llevan a ser sin lugar a dudas el escultor universal revolucionario.

Hoy es el escultor con mayor edad del gremio, se inscriben 99 años de conciencia plena, de despertar cada día con un pensamiento claro y con el ánimo de resolver más obras. 
Vida – viva de quien sin temor nos ha  compartido a varias generaciones su conocimiento, su experiencia y su talento. Federico Silva el caminante de las espirales cósmicas.

Klimt fue considerado por sus críticos e historiadores como uno de los primeros artistas modernos. Sin embargo cabe otra reflexión, tal vez menos materializada, menos propia de nuestros días.

A 150 años del nacimiento del pintor Gustav Klimt, la ciudad de Viena se vestirá de pasión y remembranza, se exhibirán pinturas y esculturas de uno de los artistas más relevantes de este país. Una de las muestras podrá ser observada durante el mes de febrero en el Museo de Historia del Arte de Viena.

¿Qué motiva a un artista a pintar, a hacerlo las veces que sea necesario? ¿Cuántas veces habrá caminado por la calle con su obra bajo el brazo buscando unas monedas para pasar el día?. Y nosotros, ¿Cuántas veces habremos visto recreadas las escenas de artistas calentando un mendrugo en una lata dentro una habitación, protegiéndose del frío invernal?

Tal vez nada de eso sea importante cuando el artista, vivo o muerto, logra cotizar una obra en más de $135,000 millones de dólares. Klimt lo logro en el año de 2006 con el Retrato de Adele Bloch.

Klimt fue considerado por sus críticos e historiadores como uno de los primeros artistas modernos. Sin embargo cabe otra reflexión, tal vez menos materializada, menos propia de nuestros días. En cada artista está un "hacedor de trampas". Explicaré con mayor detenimiento y de quien viene esta idea. El escultor Jorge Oteiza, de origen vasco, sostenía que en la lengua vasca antigua, la palabra era sinónimo de cazado, pues estos hace miles de años desarrollaron trampas para la subsistencia, por lo que con el tiempo y en la transformación de la lengua vasca, se les fueron conociendo como trampososos.

Nuda Veritas 1899

Deberían sucederse los años para que el arte de atrapar se entendiera como el trabajo de los creadores, ya que un artista se dedica a cazar o atrapar el alma y la esencia de las cosas, ya sean estas divinas o tan terrenales como las de cada día.

El artista se ha dedicado a atrapar a dios, sus huestes, la historia, el universo, pero también el gusto y la subjetividad que nos produce a los humanos con su producción y creatividad.

En síntesis y sin ningún peyorativo, Oteiza diría que el cazador era un "tramposo", hacia "trampas" para atrapar su presa; después, el artista hizo trampas para atrapar a Dios, a las estrellas y así hasta llegar a la razón y las emociones humanas.

Se concluye entonces que el artista es un hacedor de trapas, "caza almas". Tal vez es por ello que un beso que hemos visto miles de veces en el arte, en el teatro, en el cine, en la calle ¿puede aun atraparnos?

Gustav Klimt a 150 años de su nacimiento con obras como El Beso o como El árbol de la vida sigue haciéndonos caer entre sus "redes".

Klimt en Viena

Hace 150 años Austria vio nacer a uno de los más reconocidos exponentes del simbolismo en la pintura y del arte en general: Gustav Klimt. Con motivo de esta fecha, la ciudad de Viena, donde pasó los últimos años de su vida, ha nombrado a 2012 como año de celebración, en la que se incluirán diversas exhibiciones y eventos.

Viena cuenta en su haber con la mayoría de la producción artística de Klimt, pero esta ocasión marcará la más grande presencia de sus obras en la metrópoli, con aproximadamente 800 piezas, que van desde sus encargos decorativos para el Burgtheater y Kunsthistorisches hasta sus obras más conocidas como El Beso.

Belvedere, Wien. El Beso 1907-1908

Bajo el nombre de "Gustav Klimt y el nacimiento del modernismo en Viena", los principales museos vieneses desplegarán, a través de ocho exposiciones especiales, las provocativas imágenes de cuerpos femeninos e inconfundibles tonos dorados.

Gustav Klimt / Josef Hoffmann: Pioneers of Modernism
El Palacio de Belvedere, recinto que aloja la colección más amplia en el mundo de la producción de Klimt, dará lugar a una exposición en honor al arquitecto y diseñador Josef Hoffmann, la cual se enfocará en las colaboraciones que ambos autores realizaron desde la época de la Secesión de Viena hasta la muerte del pintor en 1918.

Como "pioneros del modernismo", Klimt y Hoffmann trabajaron juntos en diversas ocasiones, pero la obra más destacable es sin duda el Palacio Stoclet, sobre el cual se basa la mayor parte de la exhibición. Designada como patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2009, esta mansión fue diseñada por Hoffmann y decorada por Klimt, y al ser un trabajo fundamental en la carrera de ambos (en especial de este último), se contará con réplicas de los diseños, mosaicos y un modelo arquitectónico de la casa.

También estarán a la vista del público recreaciones del Klimt Room, en las que se encuentra el famoso friso Beethoven, piezas del último estudio en el que el pintor austriaco trabajó, además de lucir el estilo de Hoffmann y algunas pertenencias originales.

Beethoven Frieze The Hostile Forces 1902.

Gustav Klimt en el Kunsthistorisches Museum

El período intermedio de Klimt (1886 a 1897) será abordado en una muestra dentro del Kunsthistorisches Museum, cuyo punto focal serán las 13 obras que fueran encargadas al artista para la escalinata de este museo, proyecto en el que colaboraron su hermano Ernst Klimt y Franz Matsch. Estos dos últimos mantuvieron un estilo más conservador en su obra, mientras que Gustav dio atisbos de lo que sería el movimiento simbolista y con el que se daría a conocer a partir del inicio del siglo XX.

Del 14 de febrero al 6 de mayo, el Kunsthistorisches ofrecerá visitas guiadas, mientras que su escalinata está abierta a todo público. Las piezas que conforman la colección ofrecen una visión detallada y permiten ser apreciadas dentro del contexto para el que fueron concebidas por el artista y el lugar que ocupan en su producción total.

Retrato de una dama con capa y sombrero 1897-98

Gustav Klimt. A journey through time

Del 24 de febrero al 11 de junio, el Leopold Museum pondrá a disposición del público una exposición de material inédito y personal de Klimt, cuyo tema principal será el de los viajes que el pintor realizó a lo largo de su vida. Países como Rumania, Bélgica, Alemania, Inglaterra, Francia y España fueron parte de los lugares en los que elaboró varias pinturas y bosquejos.

Dichos bosquejos dan cuenta de la influencia que aquellos paseos por el mundo tenían en el artista, mediante impresiones que le servían de inspiración y que, posteriormente, se verían plasmados en sus obras.

Además de piezas, la muestra contará también con los cientos de postales, cartas y fotografías que Klimt envió a quien fuera su pareja sentimental por muchos años, Emilie Flögue, a su familia y amigos durante sus travesías. Este material permite abordar su trabajo desde una perspectiva más profunda y personal.

Klimt - Drawings

La versatilidad del pintor austriaco le consentía destacarse en otros rubros además de la pintura, explotando la veta del dibujo. Éste es el tema central de Klimt ? Drawings, exposición que presentará una colección de 170 bosquejos que también incluirán estudios de figuras, bocetos para murales y trabajos alegóricos.

Estos estudios reflejan las diversas posiciones, movimientos y ademanes que Klimt buscaba para sus obras y que sirvieron como antecedente para sus principales pinturas. Su muestra al público permite una revelación en cuanto al proceso creativo mediante el cual se originó su trabajo.

La exhibición estará abierta del 14 de marzo al 10 de junio en el museo Albertina.

Against Klimt. "Nuda Veritas" and her defender Hermann Bahr

El Austrian Theater Museum presentará esta exhibición, que de mayo 10 a octubre 29, examinará a profundidad la controversia que "Nuda Veritas", y la obra de Klimt en general, provocó en su tiempo. Esto a partir de los argumentos que Hermann Bahr, autor y crítico literario quien dio a conocer al movimiento de la Secesión Vienesa desde sus inicios, manifestara en su libro Against Klimt.

Estudio de la cabeza de una mujer 1901.

Basado en esta icónica obra, se abordarán temas acerca de la inspiración detrás de ella, y los elementos artísticos y literarios precursores que convergieron en esta imagen. Asimismo, hace una observación al escándalo y al entusiasmo que recibió el movimiento Avant Garde en Viena, a principios del siglo XX y que allanaron el camino para los primeros trabajos modernistas.

Klimt. The Wien Museum Collection

La muy notable colección de obras pertenecientes al Museo de Viena será presentada en su totalidad por primera vez en esta exhibición. Cuenta con alrededor de 400 dibujos que abarcan cada periodo dentro de la carrera del artista, organizadas cronológicamente para que el espectador tenga la posibilidad de explorar cada posible aspecto.

También se incluyen varias pinturas entre las que destaca "Portrait de Emilie Flöge", uno de sus más famosos trabajos, cuya representación de la mujer lo acompañó durante su vida, además de ser la primera obra que cuenta con un fondo ornamental tras una figura femenina.

"Klimt. The Wien Museum Collection" estará disponible en el Museo de Viena del 16 de mayo al 16 de septiembre.

Judith I 1901

Gustav Klimt and the Künstlerhaus

Esta exposición ofrece una mirada a profundidad de la relación entre Klimt y la Künstlerhaus, un punto neurálgico del arte y la cultura vienesa, y que desde entonces sirve como hogar de la Sociedad de Artistas Austriacos. A través de materiales como cartas, documentos y fotografías, el público podrá conocer muchos de los hitos que marcaron su trabajo.

Como miembro de esta sociedad, el pintor entró en contacto con diversos personajes influyentes que a su vez acudieron a él para contratos públicos, como fue el caso de la decoración y del diseño interior del ayuntamiento de Viena. Y aunque posteriormente él mismo, junto con 18 miembros, decidieron separarse de la Künstlerhaus para fundar el movimiento de la Secesión, ésta siguió presentando exposiciones sobre su obra con particular éxito.

La exhibición, "Gustav Klimt and the Künstlerhaus", estará en el museo Künstlerhaus, del 6 de julio al 2 de septiembre.

Jardín con girasoles 1905- 1906

Objects in Focus: the Emilie Flögue Fabric Sample Collection

El Museo del Folclore Austriaco adquirió 350 piezas de la familia de Flögue que incluyen bordados, cordones, trenzas, las cuales se exhibirán del 25 de mayo al 14 de octubre en este recinto. Al contextualizar con otras piezas no textiles, se busca dar énfasis a la importancia de estos objetos.

Sonja Knips 1898

La burguesía de finales del siglo XIX se vio particularmente interesada en las artesanías rurales, y pronto comenzaron a coleccionarlas, lo que repercutió de manera significativa en el desarrollo estilístico del art noveau en Austria. Emilie y su hermana Helene capitalizaron esto con su tienda de haute couture "Schwestern Flögue", en la que hicieron famosos los vestidos racionales, en cuyo diseño también participó Klimt.

The Spandrels. Kunsthistorisches.

fuente: Besos de pintura (realestatemarket.com.mx)

POR GISSELLE MORÁN / MIGUEL PERAZA

En la poesía espacial de hoy en día son muy pocos los que trascenderán las trasgresiones del tiempo, pues además habrán de resistir el juicio histórico de los que aún están por llegar. De los seres dedicados al análisis y construcción de formas espaciales, cuenta hoy la humanidad con un artista de enorme genio, que como un verdadero renacentista, combina la ingeniería, la escultura, la ciencia y la arquitectura, construyéndose a sí mismo y para los demás un universo que lleva por nombre Santiago Calatrava.

En el mundo es conocido simplemente como Calatrava, habitante de la aldea global, tuvo a bien nacer en Valencia, España, hace apenas 58 años, estamos hablando de 1951. Desde pequeño su vida estuvo ligada al arte - nunca he dejado de dibujar- expresa el maestro, confirmando así; desde que era niño me sentí feliz tomando un lápiz y echando líneas en cualquier soporte. Fui, en ese sentido, un dolor de cabeza para mis padres, pues solía pintar hasta en las puertas de los vecinos. Desde del inicio su vida ha estado volcada hacia la construcción del espacio, el dibujo y las formas, lo que lo ha llevado a desarrollar lo que llamamos arquitectura, dicho sea de paso, en el mundo entero existe mucha construcción y muy poca arquitectura, si comprendemos a ésta como una expresión de las bellas artes.

Entre algunos datos biográficos que nos ayuden a comprender al personaje podríamos citar su interés en la adolescencia por la pintura, cuando era estudiante en la Escuela de Artes de Valencia. Sin embargo a la edad de 18 años comprendió su pasión por la disciplina de la arquitectura e ingreso a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, en donde transcurrieron sus siguientes cinco años. Al finalizar esta etapa, Calatrava decidió estudiar ingeniería civil, e ingreso al Instituto Federal de Tecnología, en Zúrich, complementando así su formación académica pero no su pragmatismo que hoy nos sigue demostrando.

Su praxis, es decir, su saber y hacer descrito por él mismo confirman que sus obras pertenecen a lo que él llama como “racional”, enfocándose principalmente a la estructura; en la parte física, en donde logra que los objetos se mantengan de pie, más aún un edificio, lo que lo vincula de manera intrínseca a la geometría cósmica, sin olvidar la relación humana que en definitiva serán quienes la ocupen, esto es, no sólo para habitarlo por necesidad, sino más bien para disfrutarlo como un bien común, un bien de todos, no sólo para quien lo vive por dentro sino para toda persona que lo transita, creando arquitectura de paisaje y atmósferas únicas e irrepetibles, pues cada una de sus obras cobra este sello, que sólo lo pueda dar la creatividad genial.

Torre Turning Torso en Malmo, Suecia.

Es el edificio residencial más alto de Suecia.

La repetición de las formas aparentes no es otra más que la que viene de las mismas repeticiones de la propia naturaleza, cambia la manera de ordenar, lo que trae consigo el misterio de la creatividad. Cuando se trata de arquitectura necesariamente estamos hablando de obras con alma, es decir, que están animadas por su autor. Las obras nos permiten, por lo tanto hablar de ritmo, armonía y movimiento espacial, nunca imponiendo su voluntad sino proponiendo su espiritualidad a la comunidad.

Mencionemos algunas de las obras como: el Pabilón Quadracci o, la nueva adición al Museo de Arte de Milwaukee, muy características, ahora bien, desde sus primeras incursiones, Calatrava ha sido reconocido por sus audaces formas orgánicas, baste revisar la ahora icónica Torre de Telecomunicaciones en Montjuic de Barcelona, su trabajo lo coloca en vida como un consagrado internacional, lo que promete nuevos retos y más obras en el futuro inmediato, lo que seguramente nos permitirá disfrutar de sus nuevas propuestas.

Auditorio de Tenerife Blaue Stunde, España.

Las más recientes comisiones le han permitido explorar su arista más extravagante, la cual se puede apreciar en obras como el ya mencionado Pabilón, que demuestra una exploración avant-garde hacia nuevas capacidades tecnológicas y de innovación en las formas estructurales.

Calatrava visto desde el ángulo ingenieril, se puede apreciar más cuando se consideran los aspectos más sensibles de la construcción arquitectónica del Pabilón. Queda demostrado nuevamente en la adición al Museo de Arte de Milwaukee, pues es una síntesis tan completa de diseño e ingeniería que resulta imposible que fuera lograda por alguien no multidisciplinario, de tal manera que este énfasis en la estructura no puede ser atribuido simplemente a su formación como ingeniero, necesariamente se debe añadir su filosofía y la de otros artistas que lo presidieron y a los cuales él admira y retoma, un ejemplo es el mismo Antoni Gaudí, quien decía al respecto; prefiero sistemas estructurales en donde la forma es determinada por polígonos funiculares, que le brindan a la estructura una vaga semejanza al esqueleto de un mítico animal.

En las obras de Calatrava hasta las sombras son luminosas; la “simplicidad” en los diseños se prestan para esta intensión del uso de la luz, una característica que marca la preferencia del maestro en la estilización de materiales en donde la luz que pasa a través de estos, complementa las formas del vacío lleno, como sucede en la escultura, nada más que estas formas luminosas son enormes, así el Pabilón resulta ser una inmensa estructura cinética de hierro, conocida como la Burke Brise Soleil.

Santiago Calavera es una combinación de disciplinas, es arquitecto, es ingeniero, es matemático pero sobre todo es un artista, un maestro del conocimiento y de la imaginación. Tiene una pasión muy característica por su país. Recientemente, al ser entrevistado, resaltó que; modestamente, se podría decir que todo lo que hacemos es una continuación natural de las obras de Gaudí, mostrando su respeto por la historia del arte universal. Al mismo tiempo refiere a otros maestros de otras latitudes a los que también admira y se reconoce como fanático de la arquitectura de Le Corbusier: he visitado prácticamente todos los proyectos, y he leído todos sus libros. Fue hasta después que descubrí que él había tomado su ideología de Auguste Perret. Así que finalmente llegue al punto de origen. Además, Le Corbusier albergaba sentimientos muy nostálgicos sobre el mediterráneo; la claridad del agua, el sentimiento de lo clásico y del sentimiento de lo gótico. Así que creo entender su interés por este tipo de cosas, ya que también son elementos fundamentales para mí.

Palau de les Arts Reina Sofía, Valencia, España.

Así como la arquitectura de Antoni Gaudí se ha convertido en un icono de Barcelona, la de Calatrava bien podría convertirse en un símbolo de Valencia. Sus oficinas y despachos están concentrados en la ciudad de Zúrich. Además ha publicado un libro sobre la arquitectura de la ciudad Valencia, dicho sea de paso, algunos expertos en esta materia, consideran que el Palacio de las Artes Reina Sofía dentro de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, podría hacer de Valencia lo que el Museo Guggenheim del reconocido maestro Frank Gehry ha hecho para la ciudad de Bilbao.

La innovadora arquitectura del Palacio, de más de cuarenta mil metros cuadrados y una altura de setenta y cinco metros, alberga cuatro sitios escénicos para diferentes espectáculos de ópera, música, ballet y teatro. Dispone de plataformas voladas a diferentes alturas con paseos y vegetación ambiental, a las que se accede mediante ascensores panorámicos y escaleras situadas en el interior de las carcasas metálicas que hay en ambos lados del edificio. El contraste entre lo opaco de las carcasas de chapa de acero y la transparencia de los vastos espacios acristalados producen sensaciones cambiantes al recorrer el edificio. La forma global es lenticular desarrollándose bajo una gran cascada metálica soportada mediante dos apoyos, quedando así la zona este de la cubierta totalmente en voladizo.

El material por excelencia es el hormigón blanco, al cubrir los grandes soportes estructurales del edificio, mientras que el mosaico es el segundo material de mayor uso al revestir las espectaculares cubiertas del Palau que está rodeado por más de sesenta mil metros cuadrados de jardines y láminas de agua. El acceso se efectúa por medio de una pasarela elevada de cincuenta y seis metros de longitud ubicada en la parte oeste del edificio, a la que se puede acceder por medio de dos escaleras rampantes. Desde el lado principal se localiza la zona de taquillas y guardarropa, en donde aparecen dos corredores laterales simétricos que desembocan en el gran vestíbulo, por el que se entra directamente a la Sala Principal.

Ciudad de las Artes y Ciencias, Valencia, España

Entre los datos relevantes podemos citar los siguientes: capacidad para 1,481 plazas distribuidas entre patio y cuatro niveles de palcos, concebido fundamentalmente para representaciones de ópera. El Aula Magistral puede albergar a 400 personas, es una sala también destinada a conferencias y conciertos de cámara. El Auditorio, con una capacidad para 1,500 espectadores, fue cedido oficialmente a la Fundación que gestiona el recinto en la temporada 2007–2008. Se trata de un espectacular espacio para usos múltiples, desde conciertos de música clásica hasta mítines políticos. Finalmente, el Teatro de Cámara y la Sala de exposiciones, es el edificio adyacente al Palau e independiente a este, con una capacidad para 400 personas, nombrado Martí i Soler, es destinado para teatro, danza y música.

Aun cuando tuvo que desprenderse temporalmente del ambicioso desarrollo conocido como The Chicago Spire, la magnífica torre en forma de hélice impondrá un nuevo record de altura dentro de los Estados Unidos, cuando su construcción sea retomada y finalizada. Por otra parte Calatrava ya ha presentado sus planes para añadir una expansión a la terminal sur del Aeropuerto Internacional de Denver; un proyecto en el cual el arquitecto contempla integrar una estación de ferrocarril para pasajeros, incluyendo uno sus singulares puentes. Calatrava explica; nos han otorgado lo mejor para crear un dialogo entre los dos edificios dentro de una base contemporánea que respeta las vistas icónicas de la carpa, expresa el maestro, refiriéndose a la interacción entre sus estructuras y la terminal, la cual fue diseñada por el arquitecto Curt Fentress. El costo de la primera fase del proyecto se estima en 650 millones de dólares, que también incluirá una plaza pública que conectara con la terminal ya existente, así como un hotel de la cadena Westin para albergar hasta 500 huespedes.

Kim Day, administrador del Aeropuerto Internacional de Denver, ha dicho que se considerara una segunda fase para la terminal sur, con un costo estimado de 250 millones de dólares, que podría incluir una reorganización de las funciones existentes del Gran Hall de la terminal. Con esto, el artista demuestra nuevamente su insaciable deseo por desarrollar nuevos y revolucionarios proyectos, dedicados a la humanidad, capaces de rebasar el valor del dinero y de cualquier otra circunstancia económica.

Calatrava es un viajero del tiempo y del espacio infinito que hoy transita por aquí, planteando su propio universo.

Arq. Santiago Calatrava

fuente: El reto de la Megalópolis (realestatemarket.com.mx)

Apuntes sobre el tiempo detenido

Texto: Gabriel Bernal Granados Fotografía: León Felipe Chargoy Escultura: Miguel Peraza Diseño: Odette Edwars M.

UN POEMA -una escultura engloba la realidad entera. No el mundo y todo lo que hay, lo que hubo y lo que habrá en él, como en la esfera multiforme de Borges, sino los diferentes pedazos que para el ojo constituyen la realidad. El ojo y su imperfección de mirar. Los elementos, sin embargo, reposan en una suerte de ensamblaje caótico, perfecto. Y nosotros, perplejos, nos aproximamos. Tímidas aproximaciones a la realidad, a través de la palabra, como en la larga meditación de Rilke sobre la tosa, "el irremplazable, /perfecto y dúctil vocablo, / que el contexto de las cosas encuadra"....